ສາລະບານ
ການແນະນຳ
ການຊຳນານແມ່ນ magic ດຳຂອງການຜະລິດດົນຕີ. ມີຂໍ້ຍົກເວັ້ນຂອງຜູ້ທີ່ຮູ້ຈັກສິລະປະມືດຂອງວິທີການສ້າງເພງ, ທຸກຄົນທີ່ກ່ຽວຂ້ອງກັບການພິມເຜີຍແຜ່ອັນລະບັ້ມບໍ່ສາມາດຊ່ວຍໄດ້ແຕ່ຢືນຢູ່ໃນຄວາມປະຫລາດໃຈຂອງການເຮັດວຽກຂອງ sorcerers sonic ທີ່ທັນສະໄຫມເຫຼົ່ານີ້.
ແລະ. ຢ່າງໃດກໍຕາມ, ຂະບວນການຕົ້ນສະບັບມີຜົນກະທົບທີ່ຊັດເຈນຕໍ່ສຽງຂອງເພງຂອງທ່ານ. ວິສະວະກອນການບັນທຶກແຕ່ລະຄົນມີທັກສະແລະລົດຊາດທີ່ແຕກຕ່າງຈາກຄົນອື່ນ. ດັ່ງນັ້ນ, ມັນເປັນໄປໄດ້ແນວໃດທີ່ຂັ້ນຕອນທີ່ສໍາຄັນໃນການຜະລິດສຽງຍັງເບິ່ງຄືວ່າມີຄວາມລຶກລັບສໍາລັບສ່ວນໃຫຍ່?
ບົດຄວາມນີ້ຈະຊີ້ແຈງວ່າຄວາມຊໍານິຊໍານານແມ່ນຫຍັງແລະຂັ້ນຕອນທີ່ຈໍາເປັນທີ່ຈໍາເປັນເພື່ອຊໍານິຊໍານານດົນຕີຂອງທ່ານເອງຕັ້ງແຕ່ເລີ່ມຕົ້ນ. ເຊັ່ນດຽວກັນກັບສິ່ງໃດກໍ່ຕາມໃນຊີວິດ, ຂະບວນການຕົ້ນສະບັບແມ່ນຫັດຖະກໍາທີ່ຮຽກຮ້ອງໃຫ້ມີການປະຕິບັດຫຼາຍ, ການຟັງ, ແລະຄວາມອົດທົນ. ຢ່າງໃດກໍ່ຕາມ, ໃນຕອນທ້າຍຂອງບົດຄວາມນີ້, ທ່ານຈະເຂົ້າໃຈຢ່າງຈະແຈ້ງກ່ຽວກັບເສັ້ນທາງທີ່ລໍຖ້າທ່ານຢູ່.
ຂະບວນການ Mastering ສຽງແມ່ນຫຍັງ?
Mastering ແມ່ນຂັ້ນຕອນສຸດທ້າຍຂອງການຕອບ. ການຜະລິດທີ່ເຮັດໃຫ້ແນ່ໃຈວ່າເພງທັງຫມົດຂອງທ່ານຈະດີໃນອຸປະກອນໃດຫນຶ່ງແລະບໍ່ວ່າຈະມີການຫຼິ້ນໃນ CD, vinyl, ຫຼື Spotify. ຄຳວ່າ "ສຳເນົາຕົ້ນສະບັບ" ຫມາຍເຖິງສຳເນົາສຸດທ້າຍທີ່ຈະຖືກສຳເນົາ ແລະ ຜະລິດຄືນໃໝ່ເປັນຮູບແບບສຽງທີ່ແຕກຕ່າງກັນ.
ຂັ້ນຕອນການພິມຈຳໜ່າຍ ແລະການຜະລິດເພງສາມາດແບ່ງອອກເປັນສາມສ່ວນຄື: ການບັນທຶກ, ການປະສົມພັນ ແລະ ການທຳງານເພງ. .
-
ການບັນທຶກ
ການບັນທຶກໃຫ້ແນ່ໃຈວ່າສຽງເພງດີຢູ່ໃນທຸກອຸປະກອນການຫຼິ້ນ.
ຫູມະນຸດສາມາດໄດ້ຍິນຄວາມຖີ່ສຽງລະຫວ່າງ 20 Hz ຫາ 20 kHz. EQ ຮັບປະກັນສຽງໂດຍລວມຂອງເພງຂອງເຈົ້າມີຄວາມກົມກຽວກັນ, ໂດຍບໍ່ມີຄວາມຖີ່ທີ່ປັບປຸງເກີນໄປ ຫຼືຖືກຄົນອື່ນມາປົກຄຸມ.
EQ ຈັດການຄວາມຖີ່ສຽງເພື່ອບໍ່ໃຫ້ມັນທັບຊ້ອນກັນ. ນີ້ແມ່ນເປັນເຄື່ອງມືທີ່ສໍາຄັນໃນເວລາທີ່ທ່ານມີເຄື່ອງດົນຕີສອງເຄື່ອງດົນຕີດຽວກັນແລະການທັບຊ້ອນກັນ (ຜົນກະທົບທີ່ເອີ້ນວ່າຫນ້າກາກ.)
ມີສອງວິທີການທີ່ແຕກຕ່າງກັນເພື່ອຄວາມສະເຫມີພາບ. Additive EQ ແມ່ນເວລາທີ່ທ່ານໃຊ້ຄວາມສະເຫມີພາບເພື່ອເສີມຂະຫຍາຍຂອບເຂດຄວາມຖີ່ສະເພາະເພື່ອບັນລຸຜົນໄດ້ຮັບທີ່ທ່ານມີຢູ່ໃນໃຈ. ໃນທາງກົງກັນຂ້າມ, EQ ລົບມີຈຸດປະສົງເພື່ອຫຼຸດຜ່ອນຄວາມຖີ່ທີ່ລົບກວນ, ເຊິ່ງທໍາມະຊາດຈະເພີ່ມຄວາມຖີ່ທີ່ປະໄວ້ໂດຍທໍາມະຊາດ.
ບໍ່ວ່າທ່ານຈະເລືອກວິທີໃດ, ຈົ່ງຈື່ໄວ້ສິ່ງຫນຶ່ງ: ເມື່ອມັນມາເຖິງຄວາມສະເຫມີພາບ, ຫນ້ອຍແມ່ນຫຼາຍ. ຖ້າເຄື່ອງປະສົມສະເຕຣິໂອທີ່ເຈົ້າມີມີຄຸນນະພາບດີ, ເຈົ້າບໍ່ຈຳເປັນຕ້ອງໃຊ້ EQ ຫຼາຍເພື່ອໃຫ້ໄດ້ສຽງທີ່ເປັນມືອາຊີບ.
ລອງຟັງແມ່ຂອງເຈົ້າກ່ອນ ແລະຫຼັງໃຊ້ EQ. ສຽງຮູ້ສຶກ “ຂີ້ຕົມ” ໜ້ອຍລົງບໍ? ເພງຮູ້ສຶກແໜ້ນໜາກວ່າ, ໂດຍມີເຄື່ອງດົນຕີ “ຕິດກັນ” ຫຼາຍຂື້ນບໍ? ຖ້າເປັນແນວນັ້ນ, ເຈົ້າເຂົ້າໃຈຖືກຕ້ອງແລ້ວ!
ການບີບອັດ
ຫຼັງຈາກເຮັດໃຫ້ຄວາມສະເໝີພາບຂອງແທຣັກ, ເຈົ້າຈະມີເພງທີ່ຄວາມຖີ່ທັງໝົດຖືກສ້າງໃໝ່. ວິທີທີ່ທ່ານຕ້ອງການ. ໃນຈຸດນີ້, ຕົ້ນສະບັບການບີບອັດຈະຫຼຸດຊ່ອງຫວ່າງລະຫວ່າງຄວາມຖີ່ທີ່ດັງກວ່າ ແລະງຽບລົງ.
ການບີບອັດເປັນວິທີທີ່ດີທີ່ຈະເຮັດໃຫ້ລະດັບສຽງສອດຄ່ອງກັນ, ແຕ່ເຈົ້າຕ້ອງໃຊ້ມັນຢ່າງລະມັດລະວັງ. ເນື່ອງຈາກການບີບອັດຈະສົ່ງຜົນກະທົບຕໍ່ເພງທັງໝົດ, ການຫຼຸດການຮັບ 1 ຫຼື 2dBs ຈະພຽງພໍ ແລະຮັບປະກັນວ່າເຈົ້າສາມາດເພີ່ມລະດັບສຽງໄດ້ຢ່າງຕໍ່ເນື່ອງຕະຫຼອດເພງຂອງເຈົ້າ.
ເມື່ອທ່ານຫຼຸດໄລຍະການເຄື່ອນທີ່ລະຫວ່າງພາກສ່ວນທີ່ດັງກວ່າ ແລະງຽບກວ່າຂອງເພງຂອງເຈົ້າ, ທັງສອງຈະຖືກຟັງຢ່າງຈະແຈ້ງໂດຍຜູ້ຟັງ. ຕົວຢ່າງ, ຈິນຕະນາການຄວາມແຕກຕ່າງຂອງສຽງດັງລະຫວ່າງສຽງຮ້ອງທີ່ອ່ອນລົງ ແລະສຽງກອງບຶງ. ໃນຊີວິດຈິງ, ສຽງກອງຈະກວມເອົາສຽງຮ້ອງທັງໝົດ, ແຕ່ດ້ວຍການບີບອັດ, ສອງສຽງນີ້ຈະໄດ້ຍິນຢ່າງຊັດເຈນໂດຍບໍ່ມີການທັບຊ້ອນກັນ ຫຼື ບັງສຽງ.
ຄວາມດັງ
ຂັ້ນຕອນສຸດທ້າຍທີ່ສໍາຄັນເພື່ອການຮຽນຮູ້ແມ່ນການເພີ່ມຈໍາກັດ. ໂດຍຫລັກການແລ້ວ, ຂີດຈຳກັດປ້ອງກັນຄວາມຖີ່ສຽງຈາກການໄປເກີນຂອບເຂດທີ່ແນ່ນອນ, ປ້ອງກັນການບິດເບືອນຂອງການຕັດຕໍ່ຍາກ. ຕົວຈຳກັດຈະຫຼຸດຊ່ວງການເຄື່ອນທີ່ຫຼາຍກວ່າເຄື່ອງອັດສຽງ, ເຮັດໃຫ້ເພງຂອງທ່ານມີຄວາມດັງທີ່ຈຳເປັນເພື່ອບັນລຸມາດຕະຖານມາດຕະຖານອຸດສາຫະກຳ.
ມີ “ສົງຄາມຄວາມດັງ” ເມື່ອສອງສາມປີກ່ອນ. ດ້ວຍການມາເຖິງຂອງເທັກນິກການສອນແບບດິຈິຕອລ, ປະລິມານເພງກໍສູງຂຶ້ນ ແລະສູງຂຶ້ນ.
ມື້ນີ້, ສິ່ງຕ່າງໆຈະແຕກຕ່າງກັນເລັກນ້ອຍ. ຄວາມດັງທີ່ແທ້ຈິງຂອງດົນຕີແມ່ນບໍ່ສໍາຄັນ, ຫຼືຢ່າງຫນ້ອຍບໍ່ສໍາຄັນເທົ່າກັບຄວາມດັງ "ຮັບຮູ້" ຂອງມັນ.ຄວາມດັງທີ່ຮັບຮູ້ໄດ້ບໍ່ກ່ຽວຂ້ອງຢ່າງເຂັ້ມງວດກັບ decibels ແຕ່ເປັນວິທີທີ່ຫູຂອງມະນຸດຮັບຮູ້ຄວາມຖີ່ສະເພາະໃດນຶ່ງ.
ຢ່າງໃດກໍຕາມ, ມັນມີມາດຕະຖານອຸດສາຫະກໍາເມື່ອເວົ້າເຖິງຄວາມດັງ, ດັ່ງນັ້ນຖ້າທ່ານຕ້ອງການໃຫ້ເພງຂອງທ່ານໄປເຖິງຈຸດສູງສຸດຂອງສຽງ. ຕາຕະລາງ, ທ່ານຈະຈໍາເປັນຕ້ອງໄດ້ດໍາເນີນຂັ້ນຕອນສຸດທ້າຍນີ້, ມີຄວາມຈໍາເປັນ.
ກໍານົດຂອບເຂດຈໍາກັດຂອງທ່ານລະຫວ່າງ -0.3 ແລະ -0.8 dB ເພື່ອຮັບປະກັນການບິດເບືອນຈະບໍ່ເກີດຂຶ້ນ. ຂ້ອຍຮູ້ວ່າເຈົ້າກຳລັງຄິດແນວໃດ: ຖ້າຂ້ອຍຕັ້ງຂີດຈຳກັດເປັນ 0.0 dB, ເພງຂອງຂ້ອຍຈະດັງຂຶ້ນໂດຍບໍ່ຕ້ອງຕັດໃນລຳໂພງ. ຂ້ອຍຂໍແນະນຳຕໍ່ມັນ, ເພາະວ່າບາງສ່ວນຂອງເພງເຈົ້າອາດຈະຖືກຕັດຕໍ່, ບໍ່ວ່າຈະຢູ່ໃນລຳໂພງຂອງເຈົ້າ ຫຼືໃນລຳໂພງຂອງຜູ້ຟັງ.
ຂັ້ນຕອນເພີ່ມເຕີມ
ນີ້ແມ່ນບາງຂັ້ນຕອນເພີ່ມເຕີມທີ່ສາມາດ ເອົາເພງຂອງເຈົ້າໄປສູ່ລະດັບຕໍ່ໄປ. ໃນຂະນະທີ່ຂັ້ນຕອນເຫຼົ່ານີ້ບໍ່ຈໍາເປັນເພື່ອເຮັດເພງໃຫ້ຈົບ. ພວກມັນສາມາດຊ່ວຍເພີ່ມສີສັນ ແລະໃຫ້ເພງຂອງທ່ານມີບຸກຄະລິກພິເສດບາງຢ່າງ.
-
ການຂະຫຍາຍສະເຕຣິໂອ
ນີ້ແມ່ນຜົນກະທົບທີ່ຂ້ອຍມັກ, ແຕ່ເຈົ້າຕ້ອງໃຊ້ມັນຢ່າງລະມັດລະວັງ. ການຂະຫຍາຍສະເຕຣິໂອຊ່ວຍກະຈາຍສຽງອອກ. ນີ້ສ້າງຜົນກະທົບ "ສົດ" ທີ່ສາມາດສວຍງາມແລະຫຸ້ມຫໍ່. ມັນຟັງໄດ້ດີໂດຍສະເພາະໃນປະເພດດົນຕີທີ່ກ່ຽວຂ້ອງກັບເຄື່ອງດົນຕີຄລາສສິກ.
ບັນຫາໃນການປັບຄວາມກວ້າງສະເຕຣິໂອປະກົດຂຶ້ນເມື່ອຜູ້ຟັງຟັງເພງໃນໂມໂນ. ເມື່ອເປັນເຊັ່ນນັ້ນ, ດົນຕີຈະສຽງຮາບພຽງ ແລະຫວ່າງເປົ່າ, ຄືກັບວ່າມີບາງຢ່າງຂາດຫາຍໄປ.
ຄຳແນະນຳຂອງຂ້ອຍແມ່ນໃຫ້ໃຊ້ການຂະຫຍາຍສະເຕີຣິໂອເບົາໆ ແລະພຽງແຕ່ເມື່ອທ່ານຄິດວ່າມັນຈະມີແທ້ໆ.ປັບປຸງຄວາມເຂັ້ມຂຸ້ນຂອງເພງຂອງທ່ານ.
-
ຄວາມອີ່ມຕົວ
ມີປະເພດຕ່າງໆຂອງຄວາມອີ່ມຕົວທີ່ທ່ານສາມາດເພີ່ມໃສ່ຕົ້ນສະບັບຂອງທ່ານໄດ້, ເຊັ່ນ: tape emulation ຫຼື harmonic distortion. ຈຸດປະສົງຂອງພວກເຂົາແມ່ນເພື່ອເພີ່ມຄວາມເລິກ ແລະສີສັນໃຫ້ກັບເພງຂອງທ່ານ.
ຄວາມງາມຂອງຄວາມອີ່ມຕົວແມ່ນວ່າມັນສາມາດເຮັດໃຫ້ພາກສ່ວນເຫຼົ່ານີ້ກ້ຽງໄດ້ເມື່ອດົນຕີຂອງທ່ານມີສຽງດິຈິຕອລເກີນໄປ. ໂດຍລວມແລ້ວຈະເພີ່ມຄວາມສັ່ນສະເທືອນທໍາມະຊາດຫຼາຍຂຶ້ນໃຫ້ກັບສຽງໂດຍລວມ.
ຂໍ້ເສຍແມ່ນວ່າຄວາມອີ່ມຕົວຈະຫຼຸດຄວາມຖີ່ບາງອັນ ແລະຄວາມດຸ່ນດ່ຽງແບບເຄື່ອນໄຫວທີ່ທ່ານສ້າງຂຶ້ນໂດຍການເພີ່ມການບິດເບືອນ. ອີກເທື່ອ ໜຶ່ງ, ຖ້າໃຊ້ຢ່າງລະມັດລະວັງແລະພຽງແຕ່ເມື່ອ ຈຳ ເປັນ, ມັນສາມາດເພີ່ມມູນຄ່າໃຫ້ກັບແມ່ຂອງເຈົ້າ. ຖ້າທ່ານບໍ່ແນ່ໃຈກ່ຽວກັບການອີ່ມຕົວ, ຢ່າໃຊ້ມັນ.
ເຊດຊັນຕົ້ນສະບັບ – ປະເມີນຄຸນນະພາບຂອງຕົ້ນສະບັບສຽງ
ຖ້າທ່ານເຮັດທຸກຢ່າງຢ່າງຖືກຕ້ອງ, ທ່ານມີເພງທີ່ມີຄວາມຊໍານິຊໍານານຢ່າງເຕັມທີ່ຢູ່ໃນມືຂອງທ່ານ. ຂໍສະແດງຄວາມຍິນດີ!
ດຽວນີ້ມັນເຖິງເວລາທີ່ຈະທົບທວນຄືນສິ່ງທີ່ທ່ານໄດ້ເຮັດ ແລະໃຫ້ແນ່ໃຈວ່າເຈົ້າໄດ້ບັນລຸຜົນທີ່ເຈົ້າຄິດໄວ້ຕອນທີ່ເຈົ້າເລີ່ມຕົ້ນ. ທ່ານສາມາດເຮັດໄດ້ໂດຍການຟັງເພງຫຼາຍໆຄັ້ງ, ວິເຄາະລະດັບສຽງ ແລະ ໄດນາມິກ, ແລະປຽບທຽບມັນກັບການປະສົມໂດຍການດຸ່ນດ່ຽງຄວາມດັງຂອງພວກມັນ.
ຕິດຕາມຄວາມດັງ ແລະ ໄດນາມິກ
ຟັງເພງ ແລະສຸມໃສ່ວິທີການທີ່ມັນພັດທະນາ. ບໍ່ຄວນຈະມີການປ່ຽນແປງຢ່າງກະທັນຫັນໃນປະລິມານ, ແລະເຖິງແມ່ນວ່າຈຸດສູງສຸດທີ່ສູງສຸດບໍ່ຄວນມີສຽງບິດເບືອນ. ຖ້າບໍ່ດັ່ງນັ້ນ, ທ່ານຈະຕ້ອງກັບຄືນໄປບ່ອນແລະຫຼຸດຜ່ອນການຈໍາກັດຈົນກ່ວາການບິດເບືອນຫາຍໄປ. ຖ້າມີການບິດເບືອນຍັງຢູ່ທີ່ນັ້ນ, ໃຫ້ກວດເບິ່ງການປະສົມສຸດທ້າຍເພື່ອເບິ່ງວ່າການບິດເບືອນມີຢູ່ໃນໄຟລ໌ທີ່ທ່ານໄດ້ຮັບແລ້ວຫຼືບໍ່.
ຄວາມດັງຈະສົ່ງຜົນກະທົບຕໍ່ການເຄື່ອນທີ່ຂອງເພງຂອງທ່ານ, ແຕ່ມັນບໍ່ຄວນປະນີປະນອມພວກມັນ. ເຄື່ອງບີບອັດ ແລະເຄື່ອງຈຳກັດຈະເຮັດວຽກທີ່ດີເລີດໃນການເພີ່ມຄວາມຖີ່ ແລະເຮັດໃຫ້ດົນຕີຂອງເຈົ້າດັງຂຶ້ນ. ແຕ່ພວກເຂົາອາດຈະເຮັດໃຫ້ອາລົມທີ່ເຈົ້າຕ້ອງການສະແດງອອກ. ນີ້ແມ່ນເຫດຜົນທີ່ວ່າມັນເປັນສິ່ງສໍາຄັນທີ່ຈະຟັງຕົ້ນສະບັບຢ່າງລະມັດລະວັງແລະໃຫ້ແນ່ໃຈວ່າເພງທີ່ເຫມາະສົມກັບຄວາມຄິດທີ່ທ່ານມີໃນເວລາທີ່ທ່ານເລີ່ມຕົ້ນ.
ປຽບທຽບກັບມິກ
ທັງໝົດ DAWs ແລະຊອຟແວແມ່ແບບອະນຸຍາດໃຫ້ຈັບຄູ່ປະລິມານການປະສົມ ແລະແມ່ແບບໄດ້. ເຫຼົ່ານີ້ແມ່ນເຄື່ອງມືທີ່ດີເລີດທີ່ຈະຊ່ວຍໃຫ້ທ່ານສາມາດປຽບທຽບຄຸນນະພາບຂອງສຽງໄດ້ໂດຍບໍ່ໄດ້ຮັບອິດທິພົນຈາກລະດັບສຽງຕ່ໍາຂອງການປະສົມ.
ຖ້າທ່ານປຽບທຽບການປະສົມແລະຕົ້ນສະບັບຂອງທ່ານໂດຍບໍ່ກົງກັບລະດັບສຽງ, ທ່ານສະເຫມີຈະມີສຽງ. ປະທັບໃຈເຈົ້າຂອງສຽງດີກວ່າ. ນີ້ແມ່ນຍ້ອນວ່າປະລິມານທີ່ສູງຂຶ້ນເຮັດໃຫ້ພວກເຮົາມີຄວາມເປັນໄປໄດ້ທີ່ຈະໄດ້ຍິນ nuances ຫຼາຍ, ເຊິ່ງສະຫນອງຄວາມເລິກຫຼາຍ.
ຢ່າງໃດກໍຕາມ, ເຈົ້າອາດຈະໄດ້ຍິນ subtleties ຄືກັນໃນປະສົມຖ້າຫາກວ່າມັນ louder. ດັ່ງນັ້ນ, ການຕັ້ງຄ່າປະລິມານດຽວກັນຈະຊ່ວຍໃຫ້ທ່ານວິເຄາະຜົນໄດ້ຢ່າງວິພາກວິຈານ ແລະແກ້ໄຂໄດ້ຖ້າຈໍາເປັນ.
ສົ່ງອອກສຽງ
ຫຼັງຈາກການເຮັດວຽກຫນັກທັງຫມົດນີ້. , ການສົ່ງອອກແມ່ບົດອາດຈະມີຄວາມຮູ້ສຶກຄືກັບສ່ວນທີ່ງ່າຍທີ່ສຸດ. ແຕ່, ໃນຄວາມເປັນຈິງ, ທ່ານຄວນຈື່ຈໍາບາງສິ່ງທີ່ໃນເວລາທີ່ bouncing / ສົ່ງອອກຂອງທ່ານໄຟລ໌ສຽງ.
ກ່ອນອື່ນໝົດ, ທ່ານຄວນສົ່ງອອກໄຟລ໌ໃນຮູບແບບຄຸນນະພາບສູງ, ບໍ່ມີການສູນເສຍ. ໄຟລ໌ Wav, Aiff, ແລະ Caf ແມ່ນທາງເລືອກທີ່ດີທີ່ສຸດ.
ຕໍ່ໄປ, ທ່ານຄວນໃຫ້ແນ່ໃຈວ່າອັດຕາຕົວຢ່າງແລະຄວາມເລິກ/ຄວາມລະອຽດຂອງບິດແມ່ນຄືກັນກັບການປະສົມຕົ້ນສະບັບ. 16 bits ແລະອັດຕາຕົວຢ່າງຂອງ 44.1kHz ແມ່ນຮູບແບບມາດຕະຖານ.
ບໍ່ວ່າທ່ານຈະໃຊ້ບ່ອນເຮັດວຽກ ຫຼືຊອບແວໃດກໍ່ຕາມ, ທ່ານຈະສາມາດປັບການຕັ້ງຄ່າເຫຼົ່ານີ້ຖ້າຈໍາເປັນ. ອັດຕາການປ່ຽນແປງຕົວຢ່າງແລະການ Dithering ກາຍເປັນສິ່ງຈໍາເປັນໃນເວລາທີ່ທ່ານກໍາລັງສົ່ງອອກການຕິດຕາມຂອງທ່ານໃນຄວາມລະອຽດທີ່ແຕກຕ່າງກັນ, ແລະພຽງແຕ່ຖ້າທ່ານຫຼຸດລົງຄວາມເລິກຂອງບິດຈາກ 24 ຫາ 16 bits. ຂັ້ນຕອນພິເສດນີ້ຈະປ້ອງກັນການບິດເບືອນທີ່ບໍ່ຕ້ອງການປາກົດຢູ່ໃນເພງທີ່ຮູ້ຈັກຂອງທ່ານ.
ຖ້າ DAW ຂອງທ່ານຖາມທ່ານວ່າທ່ານຕ້ອງການເຮັດໃຫ້ການຕິດຕາມປົກກະຕິຫຼືບໍ່, ຢ່າເຮັດມັນ. Normalizing ຈະເຮັດໃຫ້ເພງຂອງທ່ານດັງຂຶ້ນ, ແຕ່ມັນບໍ່ຈໍາເປັນເພາະວ່າເຈົ້າໄດ້ຊໍານິຊໍານານແລ້ວ.
Automated Mastering Engineer Services
ສຸດທ້າຍ, ມັນເປັນການສົມຄວນທີ່ຈະກ່າວເຖິງການຕົ້ນສະບັບແບບອັດຕະໂນມັດ. ໂຄງການທີ່ເຮັດວຽກສ່ວນໃຫຍ່ສໍາລັບທ່ານ. ສະໜອງເພງທີ່ມີສຽງດັງກວ່າ ແລະ (ບາງຄັ້ງ) ດີກວ່າ.
ມີການໂຕ້ວາທີກ່ຽວກັບຊອບແວເຫຼົ່ານີ້ ແລະວ່າຄຸນນະພາບຂອງພວກມັນສາມາດປຽບທຽບກັບອັນທີ່ສະເໜີໃຫ້ໂດຍນັກວິສະວະກອນມືອາຊີບໄດ້ຫຼືບໍ່.
ໃນຫຼາຍປີມານີ້ , ຂ້ອຍໄດ້ໃຊ້ສອງການບໍລິການແມ່ແບບອັດຕະໂນມັດທີ່ນິຍົມຫຼາຍທີ່ສຸດ: LANDR ແລະ Cloudblounce. ສິ່ງທີ່ດີກ່ຽວກັບການບໍລິການເຫຼົ່ານີ້ແມ່ນວ່າພວກເຂົາບໍ່ແພງທຽບກັບຄ່າທຳນຽມວິສະວະກອນ. ພວກມັນຍັງໄວທີ່ສຸດ (ມັນໃຊ້ເວລາສອງສາມນາທີເພື່ອເຮັດບົດເພງ.)
ຂໍ້ເສຍແມ່ນວ່າຄຸນນະພາບແມ່ນບໍ່ມີບ່ອນໃດຢູ່ໃກ້ກັບການເຮັດວຽກຂອງວິສະວະກອນມືອາຊີບ.
ບໍ່ມີ. ສົງໄສວ່າ AIs ຢູ່ເບື້ອງຫຼັງການບໍລິການເຫຼົ່ານີ້ເຮັດວຽກທີ່ດີເລີດ. ພວກເຂົາເຈົ້າເສີມຂະຫຍາຍຄວາມຖີ່ຕ່ໍາແລະເຮັດໃຫ້ເພງ louder. ແຕ່ພວກມັນຍັງຂາດລົດຊາດຂອງມະນຸດທີ່ອະນຸຍາດໃຫ້ເລືອກໄດ້ວ່າພາກສ່ວນໃດຕ້ອງການຄວາມເຄື່ອນໄຫວຫຼາຍກວ່າການບີບອັດ.
ໂດຍລວມແລ້ວ, ການບໍລິການເຫຼົ່ານີ້ສາມາດເປັນປະໂຫຍດໄດ້ເມື່ອທ່ານຕ້ອງການເຜີຍແຜ່ເພງທາງອອນລາຍ ຫຼືອອກອາລະບໍາໄດ້ຟຣີ. ແນວໃດກໍ່ຕາມ, ຂ້ອຍຈະໄປຫານັກວິສະວະກອນທີ່ເກັ່ງສະເໝີຖ້າຂ້ອຍເລືອກທີ່ຈະອອກອາລະບໍາຢ່າງເປັນມືອາຊີບ.
ຄວາມຄິດສຸດທ້າຍ
ດັ່ງທີ່ເຈົ້າເຫັນ, ການເຮັດແບບນັ້ນບໍ່ແມ່ນວິເສດ. ມັນເປັນທັກສະທີ່ເຈົ້າສາມາດພັດທະນາ ແລະ ປັບປຸງຕາມການເວລາໂດຍການສອນເພງທີ່ສ້າງໂດຍເຈົ້າ ແລະ ຄົນອື່ນໆ.
ຂັ້ນຕອນທີ່ຈຳເປັນເພື່ອເສີມສ້າງສຽງເພງໂດຍພື້ນຖານແລ້ວແມ່ນຄືກັນບໍ່ວ່າເຈົ້າກຳລັງຄົ້ນຫາປະເພດໃດ. ບົດຄວາມນີ້ສາມາດກາຍເປັນຄູ່ມືບາດກ້າວໂດຍຂັ້ນຕອນຂອງທ່ານກ່ຽວກັບວິທີການແມ່ບົດເພງໄດ້. ໂດຍລວມແລ້ວ, ການສອນເພງຂອງເຈົ້າເຮັດໃຫ້ເພງຂອງເຈົ້າເປັນມືອາຊີບໃນທຸກຮູບແບບ ຫຼືແພລດຟອມ.
ມີບາງແງ່ມຸມກ່ຽວກັບການສອນເພງຂອງເຈົ້າເອງທີ່ຂ້ອຍຄວນເຕືອນເຈົ້າ. ດ້ານບວກອັນໜຶ່ງກ່ຽວກັບການຈ້າງວິສະວະກອນຊ່ຽວຊານດ້ານສຽງມືອາຊີບແມ່ນເຂົາເຈົ້າຈະຟັງເພງຂອງເຈົ້າດ້ວຍຫູສົດໆ. ການແຍກຕົວນັ້ນແມ່ນມີຄວາມຈຳເປັນຫຼາຍຄັ້ງເມື່ອຮູ້ດົນຕີ.
ເຈົ້າອາດຄິດວ່າເຈົ້າແມ່ນຄົນທີ່ຮູ້ຈັກ.ທີ່ດີທີ່ສຸດເພງຂອງທ່ານຄວນຈະເປັນຄື. ໃນຄວາມເປັນຈິງ, ຜູ້ຊ່ຽວຊານສາມາດເຫັນແລະໄດ້ຍິນສິ່ງທີ່ພວກເຮົາມັກຈະລະເລີຍ. ນີ້ແມ່ນເຫດຜົນທີ່ວ່າມັນເປັນການດີສະເໝີທີ່ຈະໃຫ້ຄົນອື່ນຟັງເພງຂອງເຈົ້າກ່ອນທີ່ທ່ານຈະເຜີຍແຜ່ພວກມັນ.
ເລື້ອຍໆ, ວິສະວະກອນທີ່ຊ່ຽວຊານຈະໃຫ້ການກວດສອບຄວາມເປັນຈິງ. ພວກເຂົາຈະສະແດງໃຫ້ທ່ານເຫັນວິທີທາງໄປສູ່ເສັ້ນທາງທີ່ສົມດູນກັນຢ່າງສົມບູນແບບ ແລະສຽງດັງໂດຍບໍ່ໄດ້ຮັບຜົນກະທົບຈາກອາລົມ.
ຖ້າທ່ານບໍ່ສາມາດຊື້ວິສະວະກອນຕົ້ນສະບັບໄດ້, ຂ້າພະເຈົ້າຂໍແນະນໍາໃຫ້ທ່ານລອງບໍລິການຕົ້ນສະບັບແບບອັດຕະໂນມັດ. ຜົນໄດ້ຮັບແມ່ນດີພໍທີ່ຈະເຜີຍແຜ່ເພງຂອງເຈົ້າຢູ່ທຸກບ່ອນ. ນອກຈາກນັ້ນ, ເຂົາເຈົ້າຍັງໃຫ້ໂອກາດເຈົ້າໃນການອອກເພງເລື້ອຍໆໂດຍບໍ່ລົ້ມລະລາຍ.
ອີກດ້ານບວກກ່ຽວກັບການບໍລິການເຫຼົ່ານີ້ແມ່ນທ່ານສາມາດແກ້ໄຂຕົ້ນສະບັບໄດ້ຫຼັງຈາກ AI ຂອງເຂົາເຈົ້າປັບປຸງສຽງ. ນີ້ຫມາຍຄວາມວ່າທ່ານຍັງສາມາດປັບຕົວກັບແມ່ບົດໄດ້. ຕອນນີ້ທ່ານສາມາດນໍາໃຊ້ການຕັ້ງຄ່າສຽງຂອງ AI ເປັນພື້ນຖານສໍາລັບຜົນໄດ້ຮັບສຸດທ້າຍ.
ຖ້າທ່ານຕ້ອງການເຮັດທຸກຢ່າງດ້ວຍຕົວທ່ານເອງ, ທ່ານສາມາດເລີ່ມຕົ້ນການສອນເພງຂອງທ່ານໃນມື້ນີ້ໂດຍການປະຕິບັດຕາມຄໍາແນະນໍານີ້. ການປຽບທຽບຜົນໄດ້ຮັບຂອງທ່ານກັບເພງອ້າງອີງຈະສະແດງໃຫ້ທ່ານເຫັນບໍ່ວ່າທ່ານກໍາລັງມຸ່ງຫນ້າໄປໃນທິດທາງທີ່ຖືກຕ້ອງຫຼືຕ້ອງການປ່ຽນແປງບາງຢ່າງໃນການເຮັດວຽກຂອງເຈົ້າ.
ຂ້ອຍບໍ່ສາມາດເນັ້ນຫນັກເຖິງຄວາມສໍາຄັນຂອງການຟັງເພງແລະເພງອ້າງອີງຂອງເຈົ້າໄດ້ພຽງພໍ. ຫຼາຍຄັ້ງ. ໃນລະຫວ່າງການຮຽນຮູ້, ເພງຂອງທ່ານອາດຈະມີຂໍ້ບົກພ່ອງທີ່ທ່ານບໍ່ເຄີຍໄດ້ຍິນມາກ່ອນແລະສິ່ງເຫຼົ່ານີ້ຈະກາຍເປັນພຽງແຕ່ຈະກາຍເປັນທີ່ຈະແຈ້ງຫຼາຍ, ເຊິ່ງຈະປະນີປະນອມໃນຂັ້ນສຸດທ້າຍຜົນໄດ້ຮັບ.
ເພງອ້າງອີງເປັນສິ່ງຈຳເປັນເພາະພວກມັນໃຫ້ຄຳແນະນຳແກ່ທ່ານໃນຂະນະທີ່ທ່ານເຮັດວຽກງານຂອງທ່ານ. ການເພີ່ມຄວາມຖີ່ທີ່ເຫມາະສົມເພື່ອບັນລຸຜົນໄດ້ຮັບທີ່ດີທີ່ສຸດແມ່ນງ່າຍຂຶ້ນຫຼາຍຖ້າທ່ານມີເພງອື່ນໆທີ່ເປັນ "ສະຖານທີ່ສໍາຄັນ".
ໃນຕົວຢ່າງຂ້າງເທິງ, ຂ້າພະເຈົ້າໄດ້ເລີ່ມຕົ້ນຈາກ EQ. ທ່ານສາມາດເລີ່ມຕົ້ນຈາກການບີບອັດຫຼືແມ້ກະທັ້ງໂດຍການເພີ່ມຄວາມດັງໄປສູ່ລະດັບທີ່ດີທີ່ສຸດ. ຕາບໃດທີ່ທ່ານອອກຈາກຫ້ອງຫົວພຽງພໍເພື່ອເພີ່ມການປະມວນຜົນເພີ່ມເຕີມ, ທ່ານສາມາດເລືອກວິທີການຂອງທ່ານຂຶ້ນກັບປະເພດເພງ ແລະຄວາມຕ້ອງການຂອງທ່ານ.
ສຸດທ້າຍ, ຂ້າພະເຈົ້າຂໍແນະນໍາໃຫ້ທ່ານເຊີນຜູ້ທີ່ມັກເພງທີ່ທ່ານກໍາລັງເຮັດເພື່ອຮັບຟັງ. ແມ່ຂອງເຈົ້າແລະໃຫ້ຄໍາຄິດເຫັນທີ່ຊື່ສັດແກ່ເຈົ້າ. ພວກເຂົາບໍ່ ຈຳ ເປັນຕ້ອງເປັນຜູ້ຊ່ຽວຊານດ້ານດົນຕີຕາບໃດທີ່ພວກເຂົາມີຄວາມກະຕືລືລົ້ນໃນດົນຕີທີ່ເຈົ້າຮູ້. ເຂົາເຈົ້າຈະສາມາດບອກເຈົ້າໄດ້ວ່າມີບາງຢ່າງຜິດພາດກັບເຈົ້ານາຍຂອງເຈົ້າຫຼືບໍ່. ເຂົາເຈົ້າຮູ້ຈັກປະເພດດົນຕີ ແລະຄຸ້ນເຄີຍກັບສຽງທົ່ວໄປຂອງເພງປະເພດນີ້.
ທ່ານຄວນຈະຂອບໃຈສໍາລັບຄໍາຄຶດຄໍາເຫັນໃນທາງລົບ. ຍ້ອນວ່າມັນອາດຈະຫມາຍຄວາມວ່າຄົນທີ່ຟັງເພງຂອງເຈົ້າໃສ່ໃຈກັບຄວາມສໍາເລັດຂອງເຈົ້າແລະຄິດວ່າເຈົ້າສາມາດປັບປຸງໄດ້ຫຼາຍກວ່າເກົ່າ.
ຂ້ອຍຫວັງວ່າຄູ່ມືນີ້ຈະຊ່ວຍໃຫ້ທ່ານກ້າວເຂົ້າສູ່ບາດກ້າວທໍາອິດຂອງເຈົ້າໃນໂລກແຫ່ງການຊໍານິຊໍານານ. ມັນສາມາດເປັນການເດີນທາງທີ່ດີເລີດທີ່ຈະຊ່ວຍໃຫ້ທ່ານພັດທະນາທັກສະດົນຕີຂອງເຈົ້າ ແລະກາຍເປັນຄົນທີ່ມີຄວາມຄິດສ້າງສັນທີ່ຫຼາກຫຼາຍຫຼາຍຂຶ້ນ.
ໂຊກດີ!
session ແມ່ນເວລາທີ່ນັກສິລະປິນບັນທຶກເພງຂອງພວກເຂົາ. ແຕ່ລະເຄື່ອງມືມັກຈະຖືກບັນທຶກແຍກຕ່າງຫາກຢູ່ໃນເພງແຕ່ລະຄົນ. ຈາກນັ້ນ, ດົນຕີຈະຖືກລວມເຂົ້າກັນໃນ Digital Audio Workstation (ຫຼື DAW), ຊອບແວທີ່ອະນຸຍາດໃຫ້ບັນທຶກ, ປະສົມ, ແລະແກ້ໄຂສຽງ. -
-
ການປະສົມ
ສ່ວນທີສອງຂອງ mastering ແມ່ນການປະສົມ. ເມື່ອເວລາການບັນທຶກສິ້ນສຸດລົງ, ແລະນັກສິລະປິນມີຄວາມສຸກກັບຜົນໄດ້ຮັບ, ວິສະວະກອນຜະສົມຜະສານເອົາເພງສຽງແຍກຕ່າງຫາກຈາກກອງປະຊຸມບັນທຶກ. ການນໍາໃຊ້ເຫຼົ່ານີ້, ພວກເຂົາເຈົ້າສ້າງການຕິດຕາມສະເຕີຣິໂອທີ່ສົມດູນໂດຍການຫຼຸດລົງແລະການເພີ່ມປະລິມານ, ເພີ່ມຜົນກະທົບ, ແລະລົບສິ່ງລົບກວນທີ່ບໍ່ຕ້ອງການ. ສຽງທີ່ເຈົ້າຈະໄດ້ຍິນຫຼັງຈາກເຊດຊັນການບັນທຶກຈະສຽງສົດໆ ແລະ (ບາງຄັ້ງ) ລົບກວນ. ການປະສົມທີ່ດີຈະເພີ່ມຄວາມດຸ່ນດ່ຽງແບບໄດນາມິກໃຫ້ກັບທຸກເຄື່ອງມື ແລະ ຄວາມຖີ່.
-
Mastering
ສ່ວນສຸດທ້າຍຂອງຂະບວນການແມ່ນ mastering. ພາລະບົດບາດຂອງວິສະວະກອນຕົ້ນສະບັບແມ່ນເພື່ອເຮັດໃຫ້ເພງຫຼືອັນລະບັ້ມທັງຫມົດສອດຄ່ອງແລະເຖິງມາດຕະຖານຂອງປະເພດທີ່ໃຊ້ເປັນເອກະສານອ້າງອີງ. ນອກຈາກນັ້ນ, ຄວາມດຸ່ນດ່ຽງຂອງສຽງ ແລະສຽງຍັງຖືກປັບປຸງໃຫ້ດີຂຶ້ນໃນລະຫວ່າງໄລຍະຕົ້ນສະບັບ.
ຜົນໄດ້ຮັບແມ່ນເພງທີ່ຄວນຈະຖືກປຽບທຽບ, ໃນດ້ານຄວາມດັງ ແລະຄຸນນະພາບສຽງ, ກັບເພງປະເພດດຽວກັນທີ່ໄດ້ເຜີຍແຜ່ໄປແລ້ວ. ຕົ້ນສະບັບທີ່ດີຈະປັບປຸງເພງຂອງທ່ານຢ່າງຫຼວງຫຼາຍໂດຍບໍ່ສົ່ງຜົນກະທົບຕໍ່ສຽງທີ່ທ່ານຄິດໃນລະຫວ່າງການບັນທຶກສຽງ. ໃນອີກດ້ານຫນຶ່ງ, ຕົ້ນສະບັບສຽງທີ່ບໍ່ດີສາມາດປະນີປະນອມ aຊິ້ນສ່ວນໂດຍການຕັດຂອບເຂດຄວາມຖີ່ຕ່ໍາແລະແຮງດັນໄປສູ່ລະດັບທີ່ບໍ່ສາມາດທົນທານໄດ້.
ວິສະວະກອນຕ້ອງຄໍານຶງເຖິງຄວາມປາຖະຫນາຂອງສິລະປິນແລະມາດຕະຖານອຸດສາຫະກໍາດົນຕີເພື່ອສົ່ງຜະລິດຕະພັນທີ່ຫນ້າພໍໃຈ. ທັງສອງ. ເຂົາເຈົ້າເຮັດແນວນັ້ນໂດຍການປະຕິບັດຕາມຄໍາແນະນໍາທີ່ໃຫ້ໂດຍນັກດົນຕີ. ຮັບປະກັນສຽງຕົ້ນສະບັບຈະສອດຄ່ອງກັບລົດຊາດຂອງຜູ້ຟັງ.
ເປັນຫຍັງການສອນເພງຈຶ່ງສຳຄັນ?
ການຖ່າຍທອດສຽງຕົ້ນສະບັບແມ່ນສຳຄັນຖ້າທ່ານຕ້ອງການເຜີຍແຜ່ເພງຂອງທ່ານທາງອອນລາຍ ຫຼືປ່ອຍມັນອອກທາງຮ່າງກາຍ. ມັນເປັນວິທີທີ່ນັກສິລະປິນມືອາຊີບເຮັດໃຫ້ເພງຂອງເຂົາເຈົ້າດີເລີດໃນທຸກລະບົບການຫຼິ້ນ, ຈາກຫູຟັງລາຄາຖືກໄປເຖິງລະບົບ Hi-Fi ລະດັບສູງ.
ການສອນຕົ້ນສະບັບຍັງຮັບປະກັນໃຫ້ທຸກເພງໃນອາລະບໍາທັງໝົດຈະຟັງໄດ້ສອດຄ່ອງ ແລະສົມດູນ. ໂດຍບໍ່ມີການ mastering, ເພງອາດຈະສຽງ disjointed. ນີ້ແມ່ນຍ້ອນວ່າພວກມັນຖືກບັນທຶກແຕກຕ່າງກັນຫຼືຍ້ອນການປ່ຽນແປງໃນລະຫວ່າງກອງປະຊຸມການປະສົມ. Mastering ຮັບປະກັນຜົນໄດ້ຮັບທີ່ເປັນມືອາຊີບ. ມັນເປັນການສໍາພັດສຸດທ້າຍກັບວຽກງານສ້າງສັນທີ່ທ່ານຕ້ອງການທີ່ຈະປ່ອຍອອກມາໃນວິທີທີ່ດີທີ່ສຸດ.
ທ່ານອາດຈະມັກ: ການຊໍານິຊໍານານກັບ Logic Pro X
ການປະສົມກັບ Mastering
ຂັ້ນຕອນການຜະສົມຜະສານກ່ຽວຂ້ອງກັບການປັບສຽງຫຼາຍອັນຈາກບົດບັນທຶກເພື່ອເຮັດໃຫ້ສຽງເຫຼົ່ານັ້ນມີຄວາມສົມດູນເປັນສະເຕຣິໂອມິກ ແລະສອດຄ່ອງກັບສິ່ງທີ່ນັກສິລະປິນຄາດຄິດ. ວຽກງານຂອງ mixer ແມ່ນການເອົາເຄື່ອງມືແຕ່ລະຄົນແລະປັບສຽງຂອງເຂົາເຈົ້າເພື່ອໃຫ້ມີຄຸນນະພາບໂດຍລວມແລະຜົນກະທົບຂອງເພງແມ່ນດີທີ່ສຸດທີ່ມັນສາມາດເປັນໄປໄດ້.
ການຜະລິດໄດ້ເກີດຂຶ້ນໃນເວລາທີ່ການປະສົມສໍາເລັດ. ວິສະວະກອນແມ່ບົດສາມາດເຮັດວຽກກ່ຽວກັບຜົນຜະລິດສະເຕີລິໂອ (ເພງດຽວກັບເຄື່ອງມືທັງຫມົດ). ໃນຈຸດນີ້, ການປ່ຽນແປງຂອງເພງແມ່ນລະອຽດອ່ອນກວ່າ ແລະສ່ວນໃຫຍ່ແມ່ນກ່ຽວຂ້ອງກັບການເພີ່ມ ແລະປັບສຽງທັງໝົດໃຫ້ເໝາະສົມ ໂດຍບໍ່ຕ້ອງແຕະໃສ່ເຄື່ອງມືແຕ່ລະອັນ.
Session Mastering – ກ່ອນທີ່ທ່ານຈະເລີ່ມຕົ້ນ
ເມື່ອເຮັດບົດເພງ, ການກະກຽມເປັນສິ່ງຈຳເປັນ. ມີບາງຂັ້ນຕອນທີ່ຈຳເປັນທີ່ຕ້ອງປະຕິບັດກ່ອນທີ່ທ່ານຈະໃສ່ຫູຟັງ ແລະເລີ່ມເຮັດໃຫ້ເພງຂອງທ່ານດັງຂຶ້ນ, ໂດຍສະເພາະຖ້າທ່ານເປັນມືໃໝ່.
ໜ້າເສຍດາຍ, ຄົນສ່ວນໃຫຍ່ຄິດວ່າການທຳນາຍແມ່ນເຮັດໃຫ້ລະດັບສຽງຂອງເພງຮອດຂີດຈຳກັດ. ກ່ອນທີ່ຈະເຜີຍແຜ່ມັນອອນໄລນ໌. ແນວໃດກໍ່ຕາມ, ຄວາມດັງຂອງເພງເປັນພຽງໜຶ່ງໃນການປັບປຸງຫຼາຍອັນທີ່ເຮັດມາໃຫ້ດົນຕີຂອງເຈົ້າ. ເມື່ອເຮັດຖືກຕ້ອງແລ້ວ, ສຽງເພງທີ່ເຂົ້າໃຈແລ້ວຈະມີຄວາມສອດຄ່ອງກັນ, ສອດຄ່ອງ ແລະມີຄວາມກົມກຽວກັນຫຼາຍຂຶ້ນ.
ກ່ອນທີ່ເຂົາເຈົ້າຈະເລີ່ມເຮັດວຽກໃນອາລະບໍາໃໝ່, ວິສະວະກອນໃຊ້ເວລາຟັງເພງທີ່ເຂົາເຈົ້າກຳລັງເຮັດຢູ່. ພວກເຂົາໃຫ້ແນ່ໃຈວ່າພວກເຂົາເຂົ້າໃຈ vibe ແລະບັນຍາກາດທີ່ນັກສິລະປິນກໍາລັງມຸ່ງຫວັງ. ນີ້ແມ່ນບາດກ້າວທີ່ສໍາຄັນ. ສິນລະປິນ ແລະ ວິສະວະກອນຕ້ອງລະບຸຢ່າງຊັດເຈນວ່າເພງກຳລັງໄປໃສ.
ການຖ່າຍທອດສຽງທີ່ເຮັດມາແບບມືອາຊີບທີ່ບໍ່ປະຕິບັດຕາມຄວາມຕ້ອງການຂອງສິນລະປິນແມ່ນຕົ້ນສະບັບທີ່ບໍ່ໄດ້ບັນລຸຈຸດປະສົງຂອງມັນ ແລະສ່ວນຫຼາຍອາດຈະຕ້ອງການ. ຖືກແກ້ໄຂຄືນຈາກຮອຍຂີດຂ່ວນ.
ເຖິງວ່າພວກມັນອາດຟັງແລ້ວໜ້າເບື່ອ, ຂ້ອຍເຊື່ອວ່າຂັ້ນຕອນການສອນເບື້ອງຕົ້ນເຫຼົ່ານີ້ເປັນພື້ນຖານຖ້າທ່ານຕ້ອງການເອົາເພງຂອງເຈົ້າໄປສູ່ລະດັບຕໍ່ໄປ. ປະຕິບັດຕາມຂັ້ນຕອນເຫຼົ່ານີ້ຢ່າງລະອຽດ, ແລະຂ້າພະເຈົ້າຮັບປະກັນວ່າທ່ານຈະບໍ່ເສຍໃຈມັນ.
ເລືອກສະພາບແວດລ້ອມແລະອຸປະກອນທີ່ເຫມາະສົມ
ການເລືອກຫ້ອງທີ່ເຫມາະສົມແມ່ນຂັ້ນຕອນທໍາອິດ. ໄປສູ່ຄວາມສໍາເລັດ. ເປັນຫຍັງ? ໃນເວລາທີ່ທ່ານກໍາລັງການຕິດຕາມ, ທ່ານຈະຕ້ອງການຄວາມງຽບສະຫງົບແລະຄວາມເຂັ້ມແຂງສໍາລັບບາງຄັ້ງ. ດັ່ງນັ້ນ, ການເຮັດວຽກໃນການຕິດຕາມຂອງທ່ານໃນສະຖານທີ່ທີ່ມີສຽງດັງຈະບໍ່ເຮັດເຖິງແມ່ນວ່າທ່ານຈະໃສ່ຫູຟັງ, ເນື່ອງຈາກວ່າຄວາມຖີ່ບາງຢ່າງຈາກພາຍນອກຍັງຈະລົບກວນທ່ານແລະມີຜົນກະທົບຕໍ່ການຕັດສິນໃຈຂອງທ່ານ.
ສໍາລັບອຸປະກອນ, ເຖິງແມ່ນວ່າທ່ານສາມາດສ້າງເພງຂອງຕົນເອງໄດ້ພຽງແຕ່ໃສ່ຫູຟັງ, ຂ້ອຍຂໍແນະນໍາການປ່ຽນຫູຟັງແລະລໍາໂພງເພາະມັນຈະຊ່ວຍໃຫ້ທ່ານບັນລຸຜົນໄດ້ຮັບທີ່ດີທີ່ສຸດ. ຂ້າພະເຈົ້າໄດ້ຂຽນບົດຄວາມກ່ຽວກັບ studio monitors ເມື່ອບໍ່ດົນມານີ້, ແລະເນື່ອງຈາກວ່າລໍາໂພງທີ່ມີຄຸນນະພາບດີຫຼາຍແມ່ນຂ້ອນຂ້າງບໍ່ແພງ, ຂ້າພະເຈົ້າແນະນໍາໃຫ້ທ່ານເອົາຄູ່ຫນຶ່ງຖ້າທ່ານຈິງຈັງກັບເລື່ອງນີ້.
ດັ່ງທີ່ຂ້າພະເຈົ້າໄດ້ເວົ້າກ່ອນຫນ້ານີ້, mastering ແມ່ນທັງຫມົດກ່ຽວກັບການສ້າງ. ສຽງທີ່ສົມບູນແບບໂດຍບໍ່ຄໍານຶງເຖິງວິທີການຜະລິດມັນ. ຖ້າເຈົ້າຟັງແມ່ຂອງເຈົ້າຜ່ານຫູຟັງ ແລະລຳໂພງ, ເຈົ້າຈະເຂົ້າໃຈໄດ້ຊັດເຈນກວ່າວ່າມັນຈະດັງແນວໃດກັບຄົນອື່ນເມື່ອທ່ານເຜີຍແຜ່ມັນ.
Reference Track
ຂຶ້ນກັບປະເພດເພງຂອງທ່ານ, ຈະມີເພງທີ່ຖືກເຜີຍແຜ່ແລ້ວທີ່ສອດຄ່ອງກັບສຽງທີ່ທ່ານຄິດເຫັນ. ໂດຍການຟັງເພງເຫຼົ່ານີ້ຢ່າງກວ້າງຂວາງ, ທ່ານຈະສາມາດກໍານົດຂັ້ນຕອນທີ່ຈໍາເປັນເພື່ອເຮັດໃຫ້ການປະສົມຂອງທ່ານມີສຽງຄ້າຍຄືກັນກັບເພງທີ່ທ່ານຊື່ນຊົມ.
ຖ້າທ່ານຄິດວ່າການຊໍານິຊໍານານແມ່ນທັງຫມົດກ່ຽວກັບການເຮັດໃຫ້ເພງດັງຂຶ້ນ, ດັ່ງທີ່ໄດ້ກ່າວກ່ອນຫນ້ານີ້. ດຽວນີ້ເຈົ້າຮູ້ວ່າເຈົ້າຜິດ. ວິສະວະກອນຕົ້ນສະບັບມືອາຊີບຈະຖາມທ່ານສໍາລັບເພງອ້າງອີງເພື່ອວ່າເມື່ອເວລາການບັນທຶກຈົບລົງ, ເຂົາເຈົ້າສາມາດໃຊ້ເພງອ້າງອີງນີ້ເປັນຕົວຊີ້ບອກຂອງສຽງທີ່ເຈົ້າກໍາລັງມຸ່ງຫວັງ.
ກອບການອ້າງອີງເພງເຫຼົ່ານີ້. ໃຫ້ວິສະວະກອນໃນທີ່ສຸດຈະກໍານົດວິທີການຕົ້ນສະບັບຂອງທ່ານເອງຈະສຽງ. ດັ່ງນັ້ນ, ໂດຍບໍ່ສົນເລື່ອງບໍ່ວ່າຈະເປັນຕົ້ນສະບັບກ່ຽວກັບການປະສົມຂອງທ່ານເອງຫຼືການຈ້າງວິສະວະກອນ, ໃຊ້ເວລາທີ່ໃຊ້ເວລາໃນການຕັດສິນໃຈວ່າເພງໃດເປັນຕົວແທນທີ່ແທ້ຈິງທີ່ທ່ານຕ້ອງການດົນຕີຂອງທ່ານ.
ແນ່ນອນ, ທ່ານຄວນພິຈາລະນາເປັນເພງອ້າງອີງການປະພັນຂອງຄ້າຍຄືກັນ. ປະເພດ, ເຄື່ອງມື, ແລະ vibe ຂອງທ່ານ. ຕົວຢ່າງເຊັ່ນ, ຖ້າທ່ານເປັນວົງດົນຕີຣັອກ ແລະ ມີເພງທີ່ມີເຄື່ອງດົນຕີລົມ ແລະສາຍສະຕຣິງເປັນເພງອ້າງອີງ, ເຈົ້າຈະບໍ່ບັນລຸຜົນທີ່ເຈົ້າຫວັງໄດ້.
ກວດເບິ່ງຈຸດສູງສຸດຂອງການປະສົມຂອງເຈົ້າ.
ຖ້າວິສະວະກອນປະສົມຮູ້ວ່າເຂົາເຈົ້າກຳລັງເຮັດຫຍັງຢູ່, ທ່ານຈະໄດ້ຮັບ mixdown ໄຟລ໌ສະເຕຣິໂອທີ່ມີຈຸດສູງສຸດຂອງສຽງຢູ່ບ່ອນໃດກໍໄດ້ລະຫວ່າງ -3dB ແລະ -6dB.
ທ່ານກວດເບິ່ງຈຸດສູງສຸດຂອງສຽງຂອງທ່ານແນວໃດ? DAWs ສ່ວນໃຫຍ່ຊ່ວຍໃຫ້ທ່ານສາມາດຕິດຕາມຄວາມດັງຂອງເພງຂອງທ່ານ, ດັ່ງນັ້ນສິ່ງທີ່ທ່ານຕ້ອງເຮັດແມ່ນຟັງສ່ວນທີ່ດັງທີ່ສຸດຂອງເພງຂອງທ່ານ.ແລະເບິ່ງວ່າມັນດັງປານໃດ. ຖ້າມັນຢູ່ລະຫວ່າງ -3dB ແລະ -6dB, ຫຼັງຈາກນັ້ນ, ທ່ານມີ headroom ພຽງພໍສໍາລັບການປະມວນຜົນຂອງທ່ານໂດຍບໍ່ມີການສ້າງການບິດເບືອນ.
ຖ້າການຜະສົມຜະສານສຽງດັງເກີນໄປແລະທ່ານບໍ່ມີ headroom ພຽງພໍ, ທ່ານສາມາດຮ້ອງຂໍໃຫ້ມີປະສົມອື່ນ. ຫຼືໄດ້ຮັບການຫຼຸດລົງໃນການຕິດຕາມຈົນກ່ວາມັນອະນຸຍາດໃຫ້ headroom ພຽງພໍສໍາລັບການປຸງແຕ່ງຂອງທ່ານ. ຂ້າພະເຈົ້າຂໍແນະນໍາໃຫ້ທ່ານໄປຫາທາງເລືອກໃນອະດີດຍ້ອນວ່າວິສະວະກອນການຜະສົມສາມາດເຂົ້າເຖິງສຽງຫຼາຍຈາກກອງປະຊຸມການບັນທຶກແລະຈະສາມາດເຮັດວຽກຢ່າງລະອຽດກວ່າໃນການຫຼຸດຜ່ອນ dBs.
LUFS (ຫນ່ວຍຄວາມດັງ. Full Scale)
ອີກຄຳສັບໜຶ່ງທີ່ທ່ານຄວນຄຸ້ນເຄີຍກັບແມ່ນ LUFS, ຫຼື Loudness Units Full Scale. ນີ້ແມ່ນວິທີທີ່ແພລດຟອມການຖ່າຍທອດສ່ວນໃຫຍ່ປະເມີນຄວາມດັງຂອງເພງ, ເຊິ່ງບໍ່ກ່ຽວຂ້ອງຢ່າງເຂັ້ມງວດກັບລະດັບສຽງຂອງມັນ ແຕ່ເປັນວິທີທີ່ຫູມະນຸດ “ຮັບຮູ້” ຄວາມດັງ.
ມັນເປັນເລື່ອງທີ່ສັບສົນເລັກນ້ອຍ, ແຕ່ເພື່ອໃຫ້ເຈົ້າຟັງໄດ້. ຄໍາແນະນໍາພາກປະຕິບັດຫຼາຍກວ່າ, ພິຈາລະນາວ່າເນື້ອຫາທີ່ອັບໂຫລດໃນ YouTube ແລະ Spotify ມີລະດັບສຽງຂອງ -14LUFS, ເຊິ່ງເກືອບ 8 decibels ງຽບກວ່າເພງທີ່ເຈົ້າຈະພົບໃນ CD.
ນີ້ແມ່ນບັນຫາໃຫຍ່ທີ່ສຸດ! ສໍາລັບຕົວຢ່າງ, ເມື່ອທ່ານອັບໂຫລດເພງໃນ Spotify, ເວທີຈະຫຼຸດລົງ LUFS ຂອງເພງຂອງທ່ານໂດຍອັດຕະໂນມັດຈົນກ່ວາມັນບັນລຸມາດຕະຖານຂອງດົນຕີທີ່ມີຢູ່ໃນບໍລິການສະຕີມ. ຂະບວນການນີ້ແມ່ນເຮັດໂດຍອັດຕະໂນມັດ, ຊຶ່ງຫມາຍຄວາມວ່າເພງຂອງທ່ານຈະໄດ້ຮັບຜົນກະທົບຢ່າງຫຼວງຫຼາຍຈາກການຫຼຸດລົງຂອງ LUFS, ໂດຍສະເພາະຖ້າມັນຫຼາຍ.ດັງ.
ເພື່ອຢູ່ໃນດ້ານທີ່ປອດໄພ, ທ່ານຄວນເຂົ້າຫາບາງອັນລະຫວ່າງ -12LUFS ແລະ -14LUFS. ລະດັບຂ້າງເທິງນີ້ຈະຊ່ວຍໃຫ້ທ່ານສາມາດຖ່າຍທອດເພງຂອງທ່ານອອນໄລນ໌ດ້ວຍຄຸນນະພາບທີ່ທ່ານຕ້ອງການ. ນອກຈາກນັ້ນ, LUFS ຕ່ໍາກວ່າຮັບປະກັນປະສົບການ sonic ທີ່ມີການເຄື່ອນໄຫວຫຼາຍແລະເພີ່ມຄວາມເລິກໃຫ້ກັບຊິ້ນສ່ວນຂອງທ່ານ.
ການຄວບຄຸມຄຸນນະພາບທົ່ວໄປ
ຕະຫຼອດເພງ, ລະດັບສຽງມີຄວາມສົມດູນບໍ? ເຈົ້າໄດ້ຍິນສຽງບິດເບືອນ ແລະບິດເບືອນທາງດິຈິຕອລທີ່ບໍ່ຄວນມີບໍ? ກ່ອນທີ່ຈະດໍາເນີນການ, ໃຫ້ແນ່ໃຈວ່າເພງປະສົມແມ່ນສົມບູນແບບແລະກຽມພ້ອມສໍາລັບຂັ້ນຕອນສຸດທ້າຍ.
ທ່ານບໍ່ຄວນວິເຄາະເພງຈາກທັດສະນະທີ່ສ້າງສັນ. ຫຼັງຈາກທີ່ທັງຫມົດ, mixer ໄດ້ຜ່ານໄລຍະນີ້ແລ້ວກັບນັກດົນຕີເອງ, ຊຶ່ງຫມາຍຄວາມວ່າເພງທີ່ທ່ານໄດ້ຮັບສຽງຊັດເຈນຕາມທີ່ພວກເຂົາຕ້ອງການ.
ບົດບາດຂອງວິສະວະກອນແມ່ນການສະຫນອງຫູສົດ, ວິເຄາະຜະລິດຕະພັນໃນລາຍລະອຽດທັງໝົດຂອງມັນ, ແລະຮັບປະກັນວ່າເຂົາເຈົ້າສາມາດປັບປ່ຽນຄັ້ງສຸດທ້າຍເພື່ອສະແດງວິໄສທັດຂອງນັກດົນຕີໄດ້ຢ່າງເຕັມສ່ວນ.
ໃນຈຸດນີ້, ຖອຍຄືນຫຼັງ ແລະຟັງເພງອ້າງອີງຂອງເຈົ້າອີກຄັ້ງ. ເຖິງແມ່ນວ່າພວກມັນຈະມີສຽງດັງຂຶ້ນ (ເພາະວ່າພວກເຂົາຜ່ານຕົ້ນສະບັບແລ້ວ), ທ່ານຄວນຈິນຕະນາການຄວາມແຕກຕ່າງລະຫວ່າງເພງຂອງເຈົ້າແລະເພງອ້າງອີງ.
ສ່ວນຫຼາຍແມ່ນເຈົ້າຈະພົບເຫັນຄວາມຖີ່ຕ່ໍາກວ່າ. ປັບປຸງໃນເພງອ້າງອີງ, ສຽງເບິ່ງຄືວ່າ enveloping ຫຼາຍ, ແລະອື່ນໆ. ຂຽນຄວາມປະທັບໃຈຂອງເຈົ້າລົງ, ອະທິບາຍແຕ່ລະດ້ານທີ່ເຈົ້າຄິດທ່ານຄວນເຮັດວຽກຕໍ່ໄປ.
ເມື່ອທ່ານພ້ອມແລ້ວ, ມັນເຖິງເວລາທີ່ຈະເລີ່ມຕົ້ນການຊໍານິຊໍານານເພງຂອງທ່ານ.
Session Mastering – ວິທີການຊໍານິຊໍານານເພງຂອງເຈົ້າ
ນັກວິສະວະກອນບາງຄົນເລີ່ມຕົ້ນໂດຍການປັບຄວາມດັງ, ໃນຂະນະທີ່ຄົນອື່ນເຮັດວຽກຢູ່ໃນໄລຍະໄດນາມິກກ່ອນແລະຫຼັງຈາກນັ້ນເຮັດໃຫ້ເພງດັງຂຶ້ນ. ມັນທັງຫມົດແມ່ນມາຈາກລົດຊາດສ່ວນບຸກຄົນ, ແຕ່ໂດຍສ່ວນຕົວແລ້ວ, ຂ້າພະເຈົ້າມັກເລີ່ມຕົ້ນດ້ວຍ EQ.
ດ້ວຍບົດຄວາມນີ້, ຂ້ອຍຕ້ອງການເນັ້ນໃສ່ຈຸດສໍາຄັນທີ່ສຸດຂອງການຊໍານິຊໍານານ, ອອກຈາກຂັ້ນຕອນເພີ່ມເຕີມສໍາລັບເວລາອື່ນຍ້ອນວ່າຈຸດປະສົງຂອງຂ້ອຍແມ່ນ. ເພື່ອໃຫ້ເຈົ້າມີເຄື່ອງມືເພື່ອເລີ່ມຕົ້ນການເປັນແມ່ແບບໃນມື້ນີ້ໂດຍບໍ່ຮູ້ສຶກເບື່ອຫນ່າຍ.
ເພງທີ່ເຈົ້າສອນຫຼາຍເທົ່າໃດ, ເຈົ້າຈະເຂົ້າໃຈວິທີເຮັດສຽງທີ່ດີທີ່ສຸດໂດຍອີງໃສ່ລົດຊາດ ແລະເພງຂອງເຈົ້າໄດ້ດີຂຶ້ນ. ຕົວຢ່າງ, ຖ້າດົນຕີຂອງທ່ານອຸດົມສົມບູນແລະເຄື່ອນໄຫວ, ສະຫຼັບພາກສ່ວນທີ່ງຽບກວ່າແລະດັງກວ່າ, ຄວາມດັງຈະບໍ່ເປັນບູລິມະສິດຂອງເຈົ້າ, ແຕ່ເປັນສິ່ງທີ່ເຈົ້າຈະເບິ່ງເມື່ອທ່ານສ້າງ soundscape ທີ່ສົມດູນຢ່າງສົມບູນ. ໃນທາງກົງກັນຂ້າມ, ຖ້າທ່ານເປັນ Skrillex, ທ່ານອາດຈະຕ້ອງການໃຫ້ເພງຂອງທ່ານດັງເທົ່າທີ່ເປັນໄປໄດ້.
EQ (Equalization)
Equalization ເພງໝາຍເຖິງການຖອດ ຫຼືປັບປຸງແຖບຄວາມຖີ່ສະເພາະໃນສະເປກຣຽນຄວາມຖີ່. ນີ້ຫມາຍຄວາມວ່າແມ່ບົດຈະມີສຽງທີ່ສົມດູນແລະເປັນສັດສ່ວນໂດຍບໍ່ມີຄວາມຖີ່ຂອງການປົກຄຸມຄົນອື່ນ.
ໃນຄວາມຄິດເຫັນຂອງຂ້ອຍ, ນີ້ຄວນຈະເປັນຂັ້ນຕອນທໍາອິດເມື່ອທ່ານເຮັດດົນຕີ. ມັນດີທີ່ສຸດທີ່ຈະເລີ່ມຕົ້ນໂດຍການດຸ່ນດ່ຽງຄວາມຖີ່ທັງຫມົດແລະການສ້າງ
